Interview by Francisca Medina for Arte Al Límite Magazine #40
January-February 2010
Through drawing, the artist makes an analysis of reality, of what is perceived, mental abstraction of the object, and the end result of the work. Enthusiasm and irony are mixed to reflect the complexity of everyday objects and processes.
The artist Rómulo Celdrán (Las Palmas de Gran Canaria, 1973) is characterized by a delicacy and sensitivity that are invariant in gesture.
His imagination presents everyday issues in such a way that they take on new meanings, transcending the limits of materiality and the nature of art. Thus, viewers are accomplices of sensations that often border on irony, with wonder and expectation being unfolded in each viewer.
His artistic work has gone through a versatile array of techniques: drawing, painting, sculpture and lithographic print. From this diversity, he creates a body of work that helps to streamline processes and to escape the banality of the creative act.
One of his most powerful series is his “Objects” series (2000-05), which are sculptures of everyday objects, carved in wood or stone in the same block, using part of the block as a pedestal. Its accuracy is based on the polychrome and size of the objects in question, while the part of the sculpture that is the actual gross matter can mentally help to reconstruct what really is “a sculpture of stone or wood.”
Rómulo Celdrán´s representations are not a mere technical virtuosity. They also roam between elusive illusions: that which is purely obvious and the mysterious of the unreal.
Your artistic production has gone through different technical processes: drawing, painting, sculpture, and lithographic print. Why did you decide to change to techniques of scale?
I do not even remember the moment I decided to start doing sculpture. Of course I remember my first piece of sculpture, but I think the process was so gradual in my mind that there was never a real principle. I did not make previous studies or sketches. I started with one tree trunk, and that was my first sculpture. Anyway, I already had ten years of experience with paint, and I think I simply took a small leap from two dimensions to three.
How do you define your artistic language?
I usually avoid definitions, self-definitions in particular, mainly because I think any definition involves some limitation and typecasting of the defined. Yet I understand that from a formal point of view my work can be included in what is broadly termed as realism. I do not really know what “what is real, what is mental, what is imagined” means. My work certainly references visible reality, but after this comes an analysis, reflection, the questioning of perception, the selection of processes, the ownership of that part of reality, the mental abstraction of the object, and its subsequent form as a real object. All of it does not fit into a definition.
What role do illusion and irony play in your work?
I have discussed the role of both in a text of reflections on my latest series of works: ZOOM and MACRO. As for the illusion, I try to move in that frontier world between the real and the unreal, in which something that looks “real “ is not, yet still is, because – and do not forget – a sculpture or drawing is, above all, a real object. The irony also connects with a series of concepts and is amplified in the MACRO series, where the breaking of scale correspondence between the object taken as a reference and its contemplation as sculpture, finding ourselves in front of a pair of gloves that are a meter and half or a tube of paint that is two meters in size, creating an irony about whether it is reality that grows or we who get smaller. I also like to think of the feelings of an audience that does not know what to do with an object that magnified to such an extent, the scale for which it was intended when it was designed.
Regarding the exhibition “Blackboard and Pieces” (Porto, September 2008), Why did you choose these objects and places as a theme? Is there a relationship with the technique?
This series of work includes elements that have been present in my work for many years. My affinity for simple, unsophisticated, and everyday objects is undeniable. The “Pieces” series, along with “Blackboard,” utilizes a novel technique using pencil and white acrylic on a prepared surface in black. This involves working in reverse, meaning that you start with absolute black and you start building an enlightened reality. Of course, this definitely influences the choice of the theme because technique and concept always inevitably go hand-in-hand.
How does your creative process, your artistic output, start?
The creative process prior to implementation is very similar in drawing and sculpture. I try to think of how I want to relate in the most effective way that which disturbs me or motivates me in my personal analysis of “the real.” I am currently very interested in everything about the way we perceive the outside. In how physical laws govern our logic as observers and make us understand and relate to what surrounds us, especially with objects. Such concepts are quite present in my current creative process. In terms of artistic production, there are significant differences between drawing and sculpture. These are differences ranging from the choice of materials (much more complex in sculpture), the preparation of previous documentation (photographic, real models), up to a clear metal structure of the phases in which to divide the implementation process.
What level of importance do you give to the expectation or surprise the viewer has when confronted with your work?
Somehow it feeds me. When the viewer discovers the process their reaction is often childlike wonderment, which I also share and even in my previous creative process when I make discoveries that amaze or delude me. It’s like delivering Christmas gifts: the giver as well as the receiver feel excited. It is obviously not true in all cases, but I do not aspire to it either. Sometimes there is indifference from the public, but I take that for granted, and I really prefer to stay with the positive emotions generated by my work.
What is the constant question in your artistic work?
I’ll tell you two: How can I materialize in a clear and easy manner the concepts in my mind that are so complex? And will I be able to convey that complexity, or will the potential public perceive only the formal, technical, and representative aspect?
Which do you think are the common points between your creative thoughts and those of other artists whose works are as distinct?
They are many. Sometimes I identify with resource ideas and concepts put into practice by artists whose works move in the field of abstraction, conceptualization, etc. Sometimes even much more with artists that might relate to my prior work, and I love it. I think many times we use different formulas to solve similar concerns. I find it very interesting to associate those mental processes that make two people so different, an artist or a musician, or a musician with an architect doing artistic work. In the end, I think there is so much we have in common. I think that no one has asked me about this before.
What was your last solo show, and what are you up to now?
My last solo performance took place in 2008 in Oporto. I presented part of the works from the series Blackboard and Pieces. Currently, I am working on the series ZOOM and MACRO, which will be presented in a solo show in the Raquel Ponce gallery in Madrid in April. I am also ending the tour of the Art of Similarity exhibit, in which some of my works are portrayed and which could be seen in three rooms in Galacia. Also, in the end of January, a large exposition called Realism – The Adventure and the Reality is being inaugurated in the Kunsthalle in Emden (Germany).
Courbet-Hopper-Gursky will integrate my work with 200 other works from 70 artists such as Manet, Courbet, Chuck Close, Walker Evans, Duane Hanson, Julian Opie, Gerhard Richter, Thomas Ruff, and Daniel Spoerri, among others. I am very emotional about seeing my works placed at this level. Also, the exposition will subsequently visit Munich and Rotterdam.
Entrevista por Francisca Medina para el Nº 40 de la revista Arte Al Límite
Enero-Febrero de 2010
A través del dibujo, el artista realiza un análisis de la realidad, de lo percibido, la abstracción mental del objeto y el resultado final de la obra. Ilusión e ironía se mezclan para reflejar la complejidad de los procesos y objetos cotidianos.
El artista Rómulo Celdrán (Las Palmas de Gran Canaria, 1973), se caracteriza por una delicadeza y sensibilidad que son invariables al gesto.
Su imaginario sitúa temáticas cotidianas que adquieren nuevas significaciones trascendiendo los límites de la materialidad y la naturaleza del arte. De esta manera, los espectadores, son cómplices de sensaciones que muchas veces bordean la ironía, desplegando asombro y expectación en cada uno.
Su quehacer artístico ha transitado por una amplia versatilidad de técnicas: dibujo, pintura, estampa litográfica y escultura. A partir de esta diversidad crea un corpus que contribuye a dinamizar los procesos plásticos y a huir de la trivialidad del acto creativo.
Uno de sus trabajos impactantes corresponde a la serie “Objects” (2000-05); esculturas de objetos de uso diario, tallados en madera o piedra en un mismo bloque, conservando una parte del bloque original como pedestal. Su veracidad se sustenta en la policromía y el tamaño de los objetos en cuestión, mientras que la parte de materia en bruto permite reconstruir mentalmente lo que realmente se ve, “una escultura de piedra o de madera”.
Las representaciones de Rómulo Celdrán no se quedan en mero virtuosismo técnico, sino que, deambulan entre lo inaprensible de la ilusión; lo meramente obvio y misterioso de lo no real.
Tú producción artística ha transitado por diferentes procedimientos técnicos: dibujo, pintura, estampa litográfica y escultura. ¿Por qué decidiste cambiar a lo volumétrico?
Nunca me lo planteé como un cambio. Ni siquiera recuerdo el momento en el que decidí empezar a hacer escultura. Por supuesto, sí recuerdo mi primera pieza escultórica, pero creo que el proceso fue tan gradual en mi mente que nunca hubo un principio real. No hice estudios previos, ni bocetos. Empecé con aquel tronco de madera y esa fue mi primera escultura. De todas formas contaba ya con una experiencia de 10 años con la pintura y creo que simplemente di un saltito de las dos dimensiones a las tres.
¿Cómo definirías tu lenguaje plástico?
Suelo huir de definiciones y sobre todo de autodefiniciones, porque creo que cualquier definición entraña algo de limitación y encasillamiento de lo definido. Aún así, entiendo que desde un punto de vista formal mis trabajos se puedan englobar en lo que a grandes rasgos se ha dado en llamar realismo. Yo no sé realmente que significa esto, qué es real, qué es mental, qué es imaginado,….Mi obra tiene, desde luego, el referente de la realidad visible, pero luego está el análisis, la reflexión, el cuestionamiento de la percepción, los procesos de selección, la apropiación de esa parte de la realidad, la abstracción mental del objeto y su posterior plasmación como objeto real,……Todo eso no cabe en una definición.
¿Qué papel juega la ilusión y la ironía en tu obra?
He hablado del papel de ambas en un texto de reflexiones sobre mis dos últimas series de trabajos, ZOOM y MACRO. En cuanto a la ilusión, intento moverme en ese mundo fronterizo entre lo real y lo irreal, en el que algo que parece “real” no lo es, pero a la vez sigue siéndolo, porque no olvidemos que una escultura o un dibujo son, por encima de todo, un objeto real. La ironía conecta también con esta serie de conceptos y queda amplificada en la serie MACRO, en donde la ruptura de correspondencia de escalas entre el objeto tomado como referente y su contemplación como escultura, hace que nos encontremos delante de una pareja de guantes de un metro y medio de tamaño o ante un tubo de pintura de dos metros, ironizando acerca de si es la realidad la que crece o nosotros los que menguamos. También me gusta pensar en las sensaciones de un público que no sepa que uso dar a un objeto que desborda, en tal medida, la escala para la que fue concebido cuando se diseñó.
Respecto a la exposición “Blackboard y Pieces” ( Oporto, Septiembre 2008), ¿Por qué elegiste estos objetos y lugares como temática? ¿Hay alguna relación con la técnica?
La serie de trabajos a la que te refieres recoge elementos que están presentes en mi obra desde hace ya bastantes años. Mi afinidad con los objetos sencillos, poco sofisticados y cotidianos, es un hecho. La serie Pieces junto con la serie Blackboard, aportan en mi producción la novedad técnica de estar realizadas con lápiz y acrílico blanco sobre una superficie preparada en negro. Esto supone trabajar a la inversa, es decir, partir del negro absoluto e ir construyendo una realidad iluminada. Desde luego esto influye definitivamente en la elección de la temática, porque técnica y concepto siempre van inexcusablemente de la mano.
¿Cómo es tu proceso creativo?, ¿Cómo comienza tu producción artística?
El proceso creativo previo a la ejecución es muy parecido, tanto en el caso del dibujo como en el de la escultura. Pienso en como quiero contar de la manera más eficaz aquello que me inquieta o me motiva en mi análisis personal de “lo real” y busco la forma de hacerlo. Actualmente me interesa mucho todo lo relacionado con la manera en la que percibimos lo exterior. En como las leyes físicas rigen nuestra lógica de observadores y nos hacen comprender y relacionarnos con lo que nos rodea, sobre todo con los objetos. Este tipo de conceptos están muy presentes en mi proceso creativo actual. En cuanto a la producción artística hay notables diferencias entre el dibujo y la escultura. Diferencias que van desde la elección de materiales (mucho mas compleja en escultura), la preparación de documentación previa (material fotográfico, modelos reales,…), hasta una estructuración metal clara de las fases en las que se va a dividir el proceso de ejecución.
¿Qué importancia das a la expectación o el asombro del espectador frente a tu obra?
De alguna manera me alimenta. Detrás de esa inquietud por conocer la nueva producción o de la reacción frente a ella una vez descubierta, siempre me parece encontrar sensaciones de ilusión o emoción casi infantiles, que yo comparto absolutamente en ese momento e incluso en mi proceso creativo previo, cuando hago descubrimientos que me asombran o me ilusionan. Es como aquello de entregar los regalos de Navidad, se emociona el que recibe, pero también el que regala. Evidentemente no es así en todos los casos, tampoco aspiro a ello. En ocasiones hay indiferencia por parte del público, pero eso se da por sentado, y realmente prefiero quedarme con las emociones positivas que genera mi obra.
¿Cual es tú pregunta constante en tu quehacer artístico?
Si me permites, mejor te diré dos. ¿Cómo puedo materializar de manera clara y sencilla, conceptos que en mi mente son tan complejos?, y ¿Alcanzaré a transmitir esa complejidad o el público potencial percibirá únicamente el aspecto formal, técnico y representativo?
¿Cuáles crees tú son los puntos que tienen en común tu pensamiento creativo con el de otros artistas tan distintos en su quehacer?
Son muchos. A veces me veo muy identificado con ideas, recursos y conceptos que ponen en práctica artistas cuyos trabajos se mueven en el campo de la abstracción, lo conceptual, etc….En ocasiones incluso mucho más que con artistas que a priori podrían relacionarse con mi obra, y eso me encanta. Creo que muchas veces utilizamos fórmulas diferentes para resolver inquietudes parecidas. Me parece muy interesante encontrar esos nexos mentales que asocian los procesos de dos personas que hacen una obra plástica tan diferente, o de un artista plástico con un músico, o de un músico con un arquitecto.….Al final creo que es tanto lo que tenemos en común. Creo que sobre esto no me han preguntado nunca.
¿Cual fue tu última muestra individual y en qué te encuentras ahora?
Mi última exposición individual tuvo lugar a finales de 2008 en Oporto y en ella presenté parte de los trabajos de las series Blackboard y Pieces. Desde entonces estoy trabajando en las series ZOOM y MACRO que presentaré en una muestra individual en la Galería Raquel Ponce de Madrid, en el mes de abril. Aparte de eso, está terminando la itinerancia de la exposición El Arte de la Semejanza, en la que figuran algunas de mis obras y que ha podido ser vista en tres salas de Galicia. Además, a finales de enero se inaugura en el Kunsthalle in Emden (Alemania) una gran exposición llamada Realismo-La Aventura de la Realidad.Courbet-Hopper-Gursky, que integrará mis trabajos en un conjunto de 200 obras pertenecientes a 70 artistas de la talla de Manet, Courbet, Chuck Close, Walker Evans, Duane Hanson, Julian Opie, Gerhard Richter, Thomas Ruff, Daniel Spoerri,….y un largo etcétera. Estoy muy emocionado de ver mis trabajos en un contexto de este nivel. Además, la exposición visitará posteriormente Múnich y Rotterdam.