September 2012

Where do you find your inspiration?

I am hesitant to talk about “inspiration”. But if we understand the term to mean a combination of ideas that energize me and provide me with adequate creativity, I would say that what I call “the world of objects” could be that inspiration.

If you had to choose between painting and sculpture, which would you choose and why?
I prefer not to choose. In fact, for me they are complimentary activities and each brings a distinct but enriching vision and visual discourse. For that reason I can not, nor would I want to choose, because it would be like placing one discipline as more important than the other and I do not feel that is the case at all.

I believe that I would focus on the fascinating aspects of each one, the simplicity and sobriety of drawing and the tridimensional shape of ideas and passionate field of experimentation with materials and techniques in sculpture.

How did you manage to achieve this level of realism?
As I understand it, I do not believe there are natural abilities. At most, functional tendencies that make certain ways of thinking more familiar than others. I always felt that I had ability for manual tasks and sculptural creativity. As time went on, I became aware that all of this made me happy and I began to look for ways to make it work. What I have been able to achieve in this field after so many years is fruit of permanent dedication, from a practical, mental and intellectual standpoint.

How much time did it take you, approximately, to paint one of these paintings? (Blackboard III and IV)?
Each of these works is the result of one or two months of work with significant hours spent in the studio.

Do you depict exactly what you see in photographs or do you include elements that are not in the original images? If you use photographs, do you take them yourself?
I began my professional journey painting natural scenes. I think that is important because although I began to use photography at a certain point as a reference, I always do it as a way to put a bit of reality that could change too much along the drawn out process of finishing an artwork. This implies, of course, that I prepare all of the photographic material that I use, and that it provides me with a general vision as well as partial visions of specific zones. With respect to the fidelity of the original image, what matters to me is that the art works, so I make the necessary adjustments for it to do so. For me, the important part is the fragment of reality beyond the photographic additions.

As all artists believe, I suppose you would like to express yourself or communicate a message through your work. However, it may seem that you are intending to imitate a reality. What would you say to someone that had this opinion? Would it bother you if what impressed someone most about your work was the level of technical expertise?
Actually, I do not see a conflict between everything you just said. I intend for my work to function as a formula of expression sustained by a technical process at the same level. It is not so much a question of the message but rather of sharing my personal vision of a world putting in focus scenes or objects that concretize that vision and inviting the spectator to share it if that spectator is in the frame to do so. I suppose there will be part of the public that will focus only on the technical aspect of my work and I do not think that I or the rest of the artists can do much about, except respond to the questions of people, like you, who want to go beyond the surface to content underneath.

What I mean is, are your style and your procedures the result of a decision or do they just come out in a spontaneous fashion, instead of, for example, something more expressionist?
I think any form of expression comes from a prior decision. Each creator wants to communicate something and selects the medium he considers most adequate, relevant or effective to do so. That decision can imply that the technical processes employed for that are tremendously agile and immediate, or that they are enormously sophisticated and elaborate. That is the basis for the great richness of artistic expression because form and substance create unity of thought with which the artist expresses himself. The content nourishes the process and the process, the content because each one speaks about the artist himself, of why he speaks about that which he does and why uses a visual language and not another one.

In Presión I, there is clearly an element of fiction and it is that, a cardboard box that could not support a piece of rock alone. What is inside this box, speaking metaphorically?
For me it is clear, there is air. In fact, the box has not been crushed because the sculpture reflects the moment captured in time in which the pressure of the rock is halfway through crushing the box. From there the static becomes dynamic through a certain narrative that implies what has already happened and what is going to happen when the weight continues affecting the box. There is a light displacement of the piece of the rock that helps to reinforce this unstable vertical movement.

In any case, I like that the piece can have multiple readings and excite the imagination of the spectator who can envision all type of con­tents of the box, all types of reasons for the crushing and all types of ideas about the material that the box and rock are made from. That is, in part the type of non verbal communication that I want to establish with the spectator, which I was talking to you about before, that intends to share my personal vision with spectators who play the game of further going deeper than the technical precision of the work.

How many times have they compared your work with Antonio Lopez?
Well, some, but not many. I think art history is constructed by addition and that supposes that all of us construct ourselves from knowledge of what came before. I also believe that we tend to categorize everything to improve its compression and that implies that we try to put things in boxes to classify everything that happens. That helps us understand certain things better but it also simplifies things excessively from comparisons. I think that everything that makes an analysis of the real from a more or less realistic perspective runs the risk of being compared to a greater or less degree with Antonio López, especially if it is done in Spain. But I think that my artistic interests exist in areas that barely have anything to do with the work of that amazing artist.

In any case, they have also spoken on occasion of the influence that Claes Oldenburg has had on my work. Personally, I think the same as I do of Antonio López. Some similarities or major differences can be found, but it definitely makes me happy to be compared to two artists situated at two opposite poles of artistic expression because that places me on the plane of artistic eclecticism to which I have always aspired.

Have you visited the Biennial [(Biennial of Contemporary Art of the ONCE Foundation. Centro Cultural Conde Duque. Madrid, Spain)]? What is your opinion of it?
I have visited it. In fact, I attended the inauguration and I can tell you I love the work on display there. Especially in these times, it is really difficult to find exhibition projects of this magnitude, with a staging of this format, with the edition of a catalog such as this, etc… As if this was not enough, the form in which the exposition is integrated with the program of activities that ONCE promotes within its lines of initiatives is always ap­preciated.

For me, the complete normality with which the works of artists who are and are not handicapped have been integrated into the exhibition has been really interesting.

If you could buy one of the works on exhibit, which would it be?
It’s a difficult choice because there are several that I would take home, but if I had to choose it would be a Kim Joowon photograph, any of those on exhibit. I love his use of white, it’s so delicate, minimalist and done with such a precise photographic technique, while so poetic at the same time.Entrevista con motivo de la participación en la IV Bienal de Arte Contemporáneo Fundación ONCE

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Septiembre de 2012

¿En qué encuentras la inspiración?

Tengo cierta prevención a la hora de hablar del término “inspiración”.  Pero si por ella entendemos el conjunto de ideas que me movilizan y me ponen en la clave creativa adecuada, te puedo decir que lo que yo llamo “el mundo de los objetos” podría ser esa inspiración.

Si tuvieras que elegir entre pintura y escultura, ¿con cuál te quedarías y por qué?
Prefiero no tener que elegir. De hecho para mí son actividades complementarias y cada una de ellas aporta  una visión diferente pero enriquecedora del discurso plástico de la otra. Por eso no puedo ni quiero tener que elegir, porque sería como primar la importancia de una disciplina sobre la otra y no lo siento así en absoluto.

Creo que me quedaría con lo fascinante de cada una, el dibujo con su sencillez y su sobriedad y la escultura como plasmación tridimensional de ideas y como un campo apasionante de experimentación de materiales y técnicas.

¿Cómo llegaste a alcanzar ese nivel de realismo? ¿Entrenamiento, o destreza innata?
Tal y como yo lo entiendo, no creo que haya habilidades innatas. Como mucho, predisposiciones funcionales que nos aproximan más a ciertas fórmulas de pensamiento que a otras. Yo siempre sentí que tenía facilidad para todas aquellas tareas que tuvieran que ver con la manipulación manual y con la creatividad plástica. Con el tiempo tomé conciencia de que lo que sucedía es que todo esto me hacía feliz y por eso buscaba el momento para darle salida. Lo que yo haya sido capaz de conseguir en este campo después de tantos años, es producto de una dedicación permanente tanto desde el punto de vista práctico como desde el mental o el intelectual.

¿Cuánto tiempo te llevó, aproximadamente, pintar cada uno de estos cuadros (Blackboard III y IV)?
Cada una de esas dos obras es el resultado de unos dos meses de trabajo con jornadas de estudio considerablemente largas.

¿Plasmas directamente lo que ves en fotografías o aportas elementos que no estaban en la imagen original? Si es que usas fotografías, ¿son tomadas por ti mismo?
Yo comencé mi andadura profesional pintando del natural. Creo que esto es importante porque a pesar de que llegado un momento empecé a utilizar la fotografía como referencia, siempre lo hago como una forma de fijar un fragmento de realidad que podría cambiar demasiado a lo largo del dilatado proceso de ejecución de una obra. Esto implica que, por supuesto, todo el material fotográfico lo preparo yo mismo y que utilizo, no solo una imagen sino una selección de ellas que me aporten tanto una visión general como visiones parciales de zonas concretas. En cuanto a la fidelidad o no con respecto a la imagen original, lo que me importa es que la obra funcione, así que hago los ajustes necesarios para que así sea. Para mi lo importante es el fragmento de realidad mas allá de los apoyos fotográficos. for supuesto, todo el material  todo el material fotogruciealidad que podregado un momento empeccstante largas.

Como todo artista que crea, supongo que deseas expresarte o transmitir algún mensaje a través de tus obras. Sin embargo, podría parecer que lo que intentas es imitar una realidad. ¿Qué le dirías a alguien que tuviera esta opinión? ¿Te molesta que lo que más ‘impresione’ de tu obra sea el nivel de técnica?
En realidad no veo conflicto entre todo lo que acabas de enunciar. Intento que mi trabajo funcione como una fórmula de expresión sustentada en un proceso técnico a la altura. No es tanto una cuestión de mensaje sino de contar mi personal visión del mundo poniendo el foco en escenarios u objetos que concretan esa visión y que pueden invitar al espectador a compartirla si es que ese espectador está en la clave adecuada para ello. Supongo que habrá parte del público que se quedará únicamente con el aspecto técnico de mi trabajo y no creo que yo ni el resto de los artistas podamos hacer mucho al respecto salvo el responder a las preguntas que nos formule todo el que, como tú, quiera arañar la superficie para profundizar en el contenido.

A lo que me refiero es a que si tu estilo y tus procedimientos son resultado de una decisión o si simplemente te salen de forma espontánea, así, en lugar de, por ejemplo, algo más expresionista.
Creo que cualquier forma de expresión parte de una decisión previa. Precisamente cada creador quiere comunicar algo y elige el medio que considera mas adecuado, afín o eficaz para hacerlo. Esa decisión puede implicar que los procesos técnicos empleados para ello sean tremendamente ágiles e inmediatos, o que resulten enormemente sofisticados y elaborados. Ahí estriba, en gran parte, la riqueza de la expresión artística porque fondo y forma crean la unidad de pensamiento con la que el artista se expresa. El contenido alimenta el proceso y el proceso al contenido porque tanto uno como otro hablan del propio artista, de por qué habla de lo que habla y de por qué lo hace con un lenguaje plástico y no con otro.

En Presión I hay un claro elemento de ficción y es que, una caja de cartón no podría soportar por sí sola el peso de un trozo de roca así. ¿Qué hay dentro de esta caja, metafóricamente hablando?
Para mí está muy claro, hay aire. De hecho la caja no ha terminado de aplastarse porque la escultura recoge el momento detenido en el tiempo en que la presión de la piedra se encuentra a mitad de recorrido de su aplastamiento. De ahí que lo estático se vea dinamizado por una cierta narrativa que implica lo que ya ha pasado y lo que va a pasar cuando el peso siga actuando sobre la caja. Hay un ligero desplazamiento del bloque de piedra que ayuda a reforzar ese movimiento inestable en vertical.

En cualquier caso me gusta que la pieza pueda tener múltiples lecturas y excite la imaginación de aquel espectador que pueda imaginar todo tipo de contenidos de la caja, todo tipo de razones para el aplastamiento y todo tipo de ideas acerca del material del que están hechos caja y piedra. Ese es, en parte, el tipo comunicación no verbal que intento establecer con el espectador, esa de la que te hablaba antes, esa que intenta compartir mi visión personal con espectadores que se presten al juego de profundizar mas allá de la precisión técnica de los trabajos.

¿Cuántas veces te han comparado con Antonio López?
Pues, algunas pero no tantas. Creo que la historia del arte se construye por adición y eso supone que todos nos construimos desde el conocimiento de lo anterior. También creo que tendemos  a categorizarlo todo para su mejor compresión y eso implica que intentamos hacer cajones para clasificar todo lo que sucede. Eso nos ayuda a entender mejor ciertas cosas pero también nos hace simplificar en exceso desde las comparativas. Creo que todo el que haga un análisis de lo real desde una perspectiva mas o menos realista correrá el riesgo de ser comparado en mayor o menor medida con Antonio López, sobre todo si lo hace en España. Pero pienso que mis intereses artísticos se mueven por territorios que muy escasamente tienen que ver con la obra de este estupendo artista.

En cualquier caso, también han hablado en ocasiones de la influencia que ha tenido la obra de Claes Oldenburg sobre mis trabajos. Personalmente pienso lo mismo que en el caso de Antonio López, pueden encontrase algunos parecidos o grandes divergencias, pero en definitiva me hace feliz la comparativa con dos artistas situados en polos tan opuestos de la expresión artística porque eso me coloca en el plano de eclecticismo artístico al que siempre he aspirado.

¿Has visitado la Bienal (Bienal de Arte Contemporáneo Fundación ONCE. Centro Cultural Conde Duque. Madrid, España)? ¿Qué opinión te merece?
La he visitado. De hecho asistí a  la inauguración y lo mejor que te puedo decir es que estoy realmente encantado de que mis trabajos estén presentes en ella. Especialmente en estos tiempos que atravesamos es realmente difícil encontrar proyectos expositivos de esta envergadura, con una puesta en escena de este formato, con la edición de un catálogo como este, etc…Por si esto fuera poco siempre es de valorar la forma en la que la exposición se integra con el programa de actividades que promueve la ONCE dentro de sus líneas de actuación.

Para mi ha sido muy interesante la absoluta normalidad con la que se integran en la exposición, la obra de artistas con y sin discapacidad.

Si pudieras comprar alguna de las obras expuestas, ¿cuál sería?
Es una difícil elección porque hay varias que me llevaría a casa pero si tengo que elegir creo que sería una fotografía de Kim Joowon, cualquiera de las dos expuestas. Me encanta esa forma de utilizar el blanco, de forma tan delicada, tan mínima y hacerlo con una técnica fotográfica tan precisa y a la vez tan poética.