«The struggle could have been motivated and legitimized by the fact that both media [painting and photography] would have competed for one aim, one final prize, one slice of the cake: the image».
Claudio Marra, Fotografia e pittura nel Novecento.
Una storia “senza combattimento”, Mondadori, Milan, 2000.
In his careful analytical process for an anatomy of everyday life, Rómulo Celdrán offers a repertory of objects, which he examines with great exactitude, paying extremely close attention to the construction of formal details, with an inflexible black-and-white appearance that gives individual works a paradigmatic profile.
«Reality does not exist», the artist suggests, adding that «what we know as reality is a mental physical-chemical process that allows us to perceive what is outside of us».
The task of art is, therefore, to create facets of possible worlds, of realities that, although delimited by tangible boundaries, are connected to estranging ideas or perspectives. The process of building the work is an exploration aimed at redefining the boundaries of possible fragments of reality, even when an object becomes the protagonist of a sculpture or painting, as in our case.
The works selected for the solo show held at Gagliardi e Domke belong to a series of paintings Celdrán called Zoom, which reveals a methodology based on the close observation of an inventory of objects which belong to the artist, and which he constantly uses in his daily private and professional life. What he does to these objects – ordinary but seductive in their design – is he radically modifies their scale: on the supports of Celdrán’s paintings, the objects are actually magnified compared to their real size. This has to do with a tendency that exists not only in art history, but in the history of images in general. Artists, especially from Modernism onwards, have often deformed and changed the features (or proportions) of objects, thus inverting the interpretation of their meanings and subverting the relationship between spectator and work. Just think of the Flowers of Andy Warhol and the mockingly magnified needles and hamburgers in the huge public sculptures of Claes Oldenburg, just to mention two already historicized cases, but there are many more examples.
Celdrán’s research follows along this line, which originates from the principle of altering what is tangible by definition – and he sticks to it even when he privileges the spatial potentialities of three-dimensionality over the languages of painting. What he gives us in the Macro series of sculptures, for instance, is nothing but a three-dimensional redesigning of everyday objects (some of which we also find in his paintings), exasperating their volumes without however neglecting details, both in their formal and chromatic values.
Duct tape, a ruler, a match, trash bags piled up on top of each other, a hatched egg and an old brush: the objects portrayed in the works on view reveal a perpetual fascination with everyday life. It is no chance, the artist explains, «that there is something magical about the realm of size. There seems to be an emotional memory that leads us to experience our relation to objects as if it were a game». The hyperrealism in these works is so extreme as to be constantly, obsessively poised on the boundary of photography, and it also reveals unnoticed fissures and imperfections that transpose the whole picture to a dimension of irrational relationship between reality and fiction.
This amazed vision, however, does not reveal snow-white fragments of reality, but elements which, in the minimal black and white scheme adopted by the artist, exasperate forms, lending them a somewhat mysterious essence. The work of Rómulo Celdrán can also be read as an inquiry into the boundaries of language itself; the author tests the innermost workings of painting, to arrive at a persuasive relationship with photography and its perceptual aspects, which has been a permanent feature in art history for over a century. Combattimento per un’immagine. Fotografi e pittori is the title of a historical exhibition curated in 1971 by Luigi Carluccio and Daniela Palazzoli at Turin’s Galleria Civica d’Arte Moderna, which clearly showed the consideration in which the relationship between the two languages was held at the time. Today, observing the paintings of Celdrán, this dialectical relationship between painting and photography remains, but ultimately it is a “struggle-less” relationship.
Lorenzo Madaro
«La pugna podría haber sido motivada y legitimada por el hecho de que ambas disciplinas [pintura y fotografía] habían competido por un mismo objetivo, un premio final, un pedazo del pastel: la imagen».
Claudio Marra, Fotografia e pittura nel Novecento.
Una storia “senza combattimento”, Mondadori, Milan, 2000
En su cuidadoso proceso analítico para una anatomía de la vida diaria, Rómulo Celdrán ofrece un repertorio de objetos que examina con gran exactitud, prestando una atención extrema a la construcción de detalles formales, con un inflexible blanco y negro que da a los trabajos individuales un perfil paradigmático.
«La realidad no existe», sugiere el artista, añadiendo que «lo que conocemos como realidad es el proceso mental físico-químico que nos permite percibir lo que hay fuera de nosotros».
La función del arte es, por tanto, crear versiones de mundos posibles, de realidades que, aunque delimitadas por fronteras tangibles, están conectadas a ideas o perspectivas distantes. El proceso de conformación de la obra es una exploración destinada a redefinir los límites de posibles fragmentos de realidad, incluso cuando un objeto se convierte en el protagonista de una escultura o una pintura, como en el caso que nos ocupa.
Los trabajos seleccionados para la exposición en Gagliardi e Domke pertenecen a una serie de pinturas titulada Zoom, que muestra una metodología basada en la observación minuciosa de un inventario de objetos pertenecientes al artista, y que constantemente usa en su vida diaria personal y profesional. Lo que él hace con estos objetos – cotidianos pero atractivos en su diseño – es modificar radicalmente su escala: en las pinturas de Celdrán, los objetos son en realidad ampliados en comparación con su tamaño real. Esto guarda relación con una tendencia existente no solo en la historia del arte, sino en la historia de las imágenes en general. Los artistas, especialmente a partir del Modernismo, con frecuencia han deformado y cambiado las características (o proporciones) de los objetos, invirtiendo así la interpretación de sus significados y subvirtiendo la relación entre el espectador y la obra. Pensemos, por ejemplo, en las Flores de Andy Warhol y las agujas y hamburguesas burlonamente agigantadas en las enormes esculturas públicas de Claes Oldenburg, solo por mencionar dos casos que ya forman parte de la historia, pero hay muchos más ejemplos.
La investigación de Celdrán se desarrolla en esta línea, originada desde el principio de alteración de lo que es tangible por definición – y se aferra a ello incluso cuando favorece las potencialidades espaciales de la tridimensionalidad por encima de los lenguajes pictóricos. Lo que nos brinda en la serie de esculturas Macro, por ejemplo, es sencillamente un rediseño tridimensional de objetos cotidianos (algunos de los cuales también encontramos en sus pinturas), exasperando sus volúmenes sin descuidar ningún detalle, ni en sus valores formales ni en los cromáticos.
Cinta adhesiva, una cinta métrica, una cerilla, bolsas de basura apiladas unas sobre otras, unas cáscaras de huevo y una vieja brocha: los objetos retratados en las obras expuestas revelan una perpetua fascinación por la vida diaria. No es casual, el artista explica: «…hay algo mágico en el mundo de las escalas. Una especie de memoria emocional que nos lleva a experimentar nuestra relación con los objetos como si de un juego se tratase». El hiperrealismo en estos trabajos es tan extremo como para estar constante y obsesivamente posicionado en el límite de la fotografía, y asimismo descubre fisuras e imperfecciones desconocidas que trasladan toda la imagen a una dimensión de relación irracional entre realidad y ficción.
Esta sorprendida visión, sin embargo, no revela inmaculados fragmentos de realidad sino elementos que, en el mínimo esquema del blanco y negro adoptado por el artista, exaspera la formas, dotándolas de una especie de misteriosa esencia. La obra de Rómulo Celdrán puede ser también interpretada como una investigación dentro de los límites del propio lenguaje; el autor pone a prueba los mecanismos íntimos de la pintura, para llegar a una persuasiva relación con la fotografía y sus aspectos perceptuales, algo que ha sido un rasgo permanente en la historia del arte durante mas de un siglo. Combattimento per un’immagine. Fotografi e pittori es el título de una exposición histórica comisariada en 1971 por Luigi Carluccio y Daniela Palazzoli en la Galleria Civica d’Arte Moderna de Turín, que claramente escenificó la consideración que en aquel momento regía la relación entre los dos lenguajes. Hoy, observando las pinturas de Celdrán, esta relación dialéctica entre pintura y fotografía permanece, pero finalmente es una relación sin enfrentamientos.
Lorenzo Madaro